Bienvenidos una vez más a la sección de Arte de mi Blog. Voy a inaugurar una nueva sección que tendrá 2 publicaciones cada mes, la cual se llama Analizando Arte. ¿Qué significa esto? Tengo muchas ideas, pensamientos y críticas, que quiero hacer en varias obras, ya sean del Renacimiento como lo es esta, el Barroco, de la Antiguedad o de arte contemporáneo también. ¿Que voy a hacer? En cada mes, 2 sábados consecutivos del mismo se publicará un análisis de cierta pintura, escultura o arquitectura. Tengo que aclarar que cada publicación que haga tendrá una traducción en el inglés, para que más gente pueda disfrutar de esto. Me gustaría tener más opciones de obras propuestas por otras personas para más adelante analizarlas. La Gioconda (La Joconde en francés), también conocida como La Mona Lisa, es una obra pictórica del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Fue adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI y desde entonces es propiedad del Estado Francés. Se exhibe en el Museo del Louvre de París. Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 × 53 cm, pintado entre 1503 y 1519 y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado a temperatura estable para su preservación óptima. Es revisado constantemente para verificar y prevenir su deterioro. La obra nos muestra a una mujer, la cual es Lisa Gherardini, esposa de Francesco Bartolomeo de Giocondo, de ahí viene el nombre de la obra, La Gioconda. Esta mujer se posiciona con sus brazos no totalmente cruzados, sino que reposan sobre lo que pienso que es una silla de color muy oscura. Se ve que sobre Mona Lisa reposa un fino velo y lleva puesto prendas holgadas y oscuras, que caracterizan a la forma en la que se vestían las mujeres de cierto rango de poder que rondaban por aquella época. En su expresión, puede notarse una leve sonrisa, que hasta la actualidad sigue causando controversia, y unos profundos ojos que parecen querer atravesarte. Sin ninguna gota de color sobre su cara, ni tampoco cejas ni pestañas, definen el aspecto físico de esta modelo. En el paisaje se logra ver un fondo frío, con caminos anaranjados, un lago azul marino que se desprende sin fin, montañas verdes y marrones, y un cielo que se degrada en tonos verdes. Pienso que la modelo posa en un balcón, en el cual no se logra apreciar el paisaje completo por causa de la figura de Lisa. Cabe destacar que el paisaje parece ser ficticio, pero la anatomía, figura y posición de la modelo quieren parecerse a lo más real posible, concepto que marcó la idea del Antropocentrismo, pensamiento el cual proponía caracterizar al ser humano de manera realista. Describiría a esta obra mundialmente conocida como un retrato que grita misterio, una insinuación inocente, y una técnica y paisaje increíbles que solo el maestro Da Vinci nos puede dar. En la clásica pintura resalta la fina piel de Mona Lisa que contrasta con los colores oscuros, y destaca principalmente su emblemático gesto y facciones de la musa. Con respecto a la historia del cuadro considerado más famoso del mundo se le debe su éxito probablemente a las múltiples referencias literarias, a las diversas hipótesis sobre la identidad de la protagonista y al espectacular robo del que fue objeto el 21 de agosto de 1911. Es además la última gran obra de Leonardo, si se tiene en cuenta que siguió retocándola hasta sus últimos años. Después de terminar el cuadro, Leonardo llevó su obra a Roma y luego a Francia, donde la conservó hasta su fallecimiento. Se sabe que pasó a manos del rey francés Francisco I, quien tras la muerte de éste último, la obra pasó a Fontainebleau, luego a París y más tarde al Palacio de Versalles. Con la Revolución francesa llegó al Museo del Louvre, lugar donde se trasladó en 1797. En 1800 Napoleón Bonaparte ordenó sacar el cuadro del museo y colocarlo en su dormitorio del Palacio de las Tullerías hasta que lo devolvió al museo en 1804. Allí se alojó definitivamente, salvo un breve paréntesis durante la Segunda Guerra Mundial, cuando el cuadro fue custodiado en el Castillo de Amboise y posteriormente en la Abadía de Loc-Dieu. Hasta 2005 se ubicó en la Sala Rosa del Louvre, y desde entonces se encuentra en el Salón de los Estados. Es pertinente decir que la mayoría de datos acerca del cuadro se conocen gracias al trabajo biográfico del pintor Giorgio Vasari, contemporáneo de Leonardo. Hablando sobre las características de la pintura, se puede ver que está definida por colores oscuros, entre los cuales están los distintos tonos de verde, marrón, toques anaranjados y la piel neutra de la modelo. Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. La técnica empleada, conocida con el término italiano de sfumato, consiste en prescindir de los contornos netos y precisos típicos del "Quattrocento" y envolverlo todo en una especie de niebla que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera, lo que da a la figura una sensación tridimensional. El espacio de la obra es un paisaje abierto con perspectiva irreal, el cual se pierde a medida que se ve a lo lejos el horizonte. La técnica y realización son mencionadas anteriormente. Hablando sobre mi opinión personal, pienso que el autor de esta obra quiso transmitir varios sentimientos en esta pintura, entre los cuales se encuentra una provocación indirecta por parte de aquellos ojos oscuros de la memorable Mona Lisa. Me genera enigma, extrañeza y admiración por parte de esta hermosa creación. Sí, ya conocía la obra, es más, de parte de mis papás me llevan a la comparación del aspecto físico mío, y el de la Mona Lisa, opinión en la que no estoy de acuerdo, puesto que La Mona Lisa fue una de las mujeres más hermosas de aquellas épocas que rondan los 1500, pero después recaigo que estamos en el siglo XXI. Lo que más me gusta de esta obra es el paisaje tan confortante y a la vez fuera de lo común. Definitivamente esta es una de mis obras preferidas de todos los tiempos. Cortesía de Wikipedia por la historia y técnica. Lo demás es mi crítica y punto de vista. ENGLISHLa Gioconda (La Joconde in French), also known as the Mona Lisa is a painting by Italian Renaissance painter Leonardo da Vinci. It was acquired by King Francis I of France in the early sixteenth century and since then is owned by the French State. It is exhibited in the Louvre in Paris. It is an oil on poplar board 77 × 53 cm, painted between 1503 and 1519 and retouched several times by the author. the most successful example of sfumato, very characteristic of Leonardo technique, although currently its original color is less perceptible darkening of the varnishes is considered. The box is protected by multiple security systems and set a stable temperature for optimum preservation. It is constantly reviewed to verify and prevent deterioration.
The play shows us a woman, which is Lisa Gherardini, wife of Francesco Bartolomeo de Giocondo, hence the name of the work, La Gioconda. This woman is not fully positioned with its arms crossed, but rest on what I think is a chair of very dark color. It is seen that on Mona Lisa lies a thin veil and wearing loose, dark clothes, which characterize the way in which women of a certain range of power that were around at that time wore. In his speech, it may be noted a slight smile, which until today remains controversial, and deep eyes that seem to want to pierce. Without a drop of color on his face, nor eyebrows or eyelashes, define the physical aspect of this model. In the landscape it get to see a cold background, with orange roads, a dark blue lake that appears endless, green and brown mountains and a sky that degrades in green tones. I think the model poses on a balcony, which does not appreciate the entire landscape because of the figure of Lisa. Notably, the landscape appears to be fictitious, but the anatomy, shape and position of the model want to look like as real as possible, a concept that made the idea of Anthropocentrism, thought which characterize the human being proposed realistically. He describes this work known worldwide as a portrait screaming mystery, an innocent innuendo, and a technique and amazing scenery that only the teacher can give us Da Vinci. In classical painting highlights the thin skin of Mona Lisa contrasting with the dark colors, and mainly emphasizes its symbolic gesture and factions of the muse. With regard to the history of painting considered most famous world owes its success probably to the many literary references to assumptions about the identity of the protagonist and the spectacular robbery which was the subject on 21 August 1911. It is also the last great work of Leonardo, if one considers that followed retouching until his later years. After finishing the picture, Leonardo took his work to Rome and then to France, where he retained until his death. It is known that passed to the French king Francis I, who after the death of the latter, the work passed to Fontainebleau, then to Paris and later to Palace of Versailles. With the French Revolution came to the Louvre, where he moved in 1797. In 1800, Napoleon Bonaparte ordered out the picture of the museum and place it in your bedroom Tuileries Palace until he returned to the museum in 1804. There stayed definitely except for a brief hiatus during World War II, when the painting was kept in the Amboise Castle and later at the Abbey of Loc-Dieu. Until 2005 it stood at the Sala Rosa Louvre, and since then is in the Hall of States. It is pertinent to say that most data about the picture are known thanks to the biographical work of the painter Giorgio Vasari, a contemporary of Leonardo. Speaking about the characteristics of the paint, you can see that it is defined by dark colors, among which are the various shades of green, brown, orange touches and neutral skin of the model. Leonardo drew the outline of the picture and then applied the oil diluted essential oil. The technique, known by the Italian term of sfumato is to dispense with the typical net and precise contours of "Quattrocento" and wrap it all in a fog that blurs the profiles and produces an impression of total immersion in the atmosphere, It is giving the figure a three dimensional feel. The work space is an open perspective unreal landscape, which is lost as you see in the distance the horizon. The technique and realization are mentioned above. Speaking about my personal opinion, I think the author of this book wanted to convey various feelings in this painting, among which is an indirect provocation by those dark eyes of the Mona Lisa memorable. I generated enigma, surprise and admiration of this beautiful creation. Yes, I knew the work, indeed, from my parents take me to the comparison of the physical aspect mine, and the Mona Lisa, opinion which I do not agree, since the Mona Lisa was one of the most beautiful women of those times of around 1500, but then I fall we are in the XXI century. What I like about this book is so comforting landscape and at the same time out of the ordinary. This is definitely one of my favorite works of all time.
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La Piedad del Vaticano o Pietà es un grupo escultórico en mármol realizado por Miguel Ángel entre 1498 y 1499. Sus dimensiones son 174 por 195 cm. Se encuentra en la Basílica de San Pedro del Vaticano. La piedad del Vaticano, nos muestra a María representada por una joven mujer de aspecto muy delicado y a un Jesús totalmente debilitado que reposa sobre el regazo de su madre. Describiría esta obra como una grafía de carácter sumamente fuerte, pasional y rico en sentimientos. Por supuesto, destaca el efecto de fortaleza con debilidad y tristeza que logra dar el autor. Destaca también la forma en la que están representadas las figuras de manera muy realística. En cuanto a su historia, la obra fue encargada por el cardenal de san Dionisio, Jean Bilhères de Lagraulas o de Villiers, benedictino embajador del monarca francés ante la Santa Sede, al que el autor conoció en Roma. El contrato entre el artista y el cliente se firmó el 26 de agosto de 1498, y en el que se estipulaba, además del pago de 450 ducados de oro, que habría de estar terminada antes de un año, y en efecto, dos días antes de cumplirse el plazo la obra maestra ya estaba terminada, cuando el cardenal había muerto unos días antes, por lo que su primer emplazamiento fue sobre la propia tumba del prelado en la Capilla de Santa Petronila del Vaticano. La Piedad fue trasladada en 1749 a su ubicación actual en la Basílica de San Pedro, la primera capilla a la derecha. En la escultura aparece María, con facciones bellas y joviales, que sostiene suavemente a su hijo Jesús, el cual se le puede ver muy quebrantado, con una expresión de dolor incuestionable, apenas vestido. A María se la puede ver manteniendo el sufrimiento de su hijo, que expresa dolencia, desolación y agonía. Sobresale más que nada el impacto que pueda dejar esta obra en la persona que la ve, ya que es algo muy fuerte que trata de representar una escena justamente traumática. Miguel Ángel representa de manera muy realista la escultura, desde los detalles físicos más pequeños, y metafóricamente hablando, un sentimiento que afecta e impacta en cualquier ser humano. Estas características hacen de esta obra algo sumamente sensato. El cuerpo de los personajes de esta obra presenta cualidades reales, ya que se logra apreciar el aspecto físico muy delgado y deteriorado por parte de Jesús, y en María no se logra ver cómo es su semblante físico pero sí sus vestimentas, las cuales se componen de mantas muy grandes, tal cual cómo era en esa época simbolizada según el autor. Lamentablemente no logra tratarse de qué material es la tela que poseen los personajes, ya que el trabajo no contiene algún tipo de textura en específica que pueda dar a conocer la tela. Esta obra me parece inmensamente expresiva, ya que transmite expresiones tales como el dolor, el amor aún consolidado, la injusticia, la angustia y fuerza. Es una obra que forma parte de una construcción arquitectónica, la cual es La Basílica de San Pedro. Pienso que Miguel Ángel quiso transmitir algún tipo de dolor que es propio en esa escena tan única. En lo particular, me genera una sensación de sufrimiento, pero a la vez de fortaleza, ya que es algo tan esforzado que hace un impacto en tu alma y llega directamente al corazón de una manera inesperada e intensa. No conocía esta obra de manera explícita, sino que recuerdo haberla visto alguna vez en los libros. Me encanta esta escultura, desde los tantos sentimientos escondidos que trae, como la forma tan profesional y única de hacerlos posible. Cortesía de Wikipedia por la historia y técnica. Lo demás es mi crítica y punto de vista. ENGLISHMercy of the Vatican or Pietà is a marble sculpture by Michelangelo between 1498 and 1499. Its dimensions are 174 by 195 cm. It is located in the Basilica of St. Peter's Basilica.
The piety of the Vatican, shows us Mary represented by a young woman very delicate appearance and a Jesus totally weakened resting on the lap of her mother. Describe this work as a character spelling extremely strong, passionate and rich in feelings. Of course, it highlights the effect of strength with weakness and sadness that manages to give the author. also it highlights the way in which the figures are represented very realistic way. As for its history, the work was commissioned by Cardinal of Saint Denis, Jean Bilhères of Lagraulas or Villiers, the French monarch Benedictine ambassador to the Holy See, which the author knew in Rome. The contract between the artist and the customer was signed on August 26, 1498, and in which, in addition to payment of 450 gold ducats, which should be completed within a year, and indeed, stipulated two days before the deadline masterpiece was finished, when the cardinal had died a few days earlier, so its first location was on the prelate's own tomb in the Chapel of St. Petronilla Vatican. Piety was moved in 1749 to its current location in the Basilica of St. Peter, the first chapel on the right. Mary appears in sculpture, with beautiful and cheerful factions, gently holding her son Jesus, who will be seen very broken, with an expression of pain unquestioned, scantily dressed. Mary is keeping can see the suffering of his son, who expresses illness, distress and agony. Stands out more than anything the impact that this work can leave the person who sees it as it is very strong that tries to represent a fairly traumatic scene. Miguel Angel represents very realistic sculpture, from the smallest physical details, and metaphorically speaking, a feeling that affects and impacts on any human being. These features make this work something extremely sensible. The body of the characters in this book presents real qualities, as you can appreciate the very thin physical appearance and deteriorated by Jesus, and Mary does not see how his physical countenance but their clothes, which are made very large blankets, exactly as it appeared at that time symbolized by the author. Unfortunately it can not be what material is the fabric that own the characters, because the work does not contain any specific type of texture that can give out the fabric. This work seems immensely expressive because it conveys expressions such as pain, yet consolidated love, injustice, anguish and strength. It is a work that is part of an architectural construction, which is the Basilica of San Pedro. I think that Michelangelo wanted to convey some kind of pain that is typical in that very single scene. In particular, I generated a sense of suffering, but also of strength, because it is such an effort that makes an impact on your soul and goes directly to the heart of an unexpected and intense. I did not know this work explicitly, but ever remember seeing in books. I love this sculpture, from the many hidden feelings it brings, like so professional and only way to make them possible. Courtesy of Wikipedia by history and art. The rest is my review and view. |
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